Jackson Pollock,

surnommé Jack the Dripper
né le 28 janvier 1912 à Cody dans le Wyoming et mort le 11 août 1956.
Un des plus grands peintres américains du XX^e siècle.
Son travail était une de quête spirituelle exigeant une extraordinaire force psychique. Se confronter à la surface vide de la toile et chercher à y projeter de l’ordre et du sens était, selon lui, une démarche représentative de la crise existentielle de l’homme moderne.

Ayant sombré à nouveau dans l’alcool, et alors qu’il n’a plus rien produit durant les dernières années de sa vie, il décède dans un accident de voiture le 11 août 1956 dans la ville de Springs dans l’état de New York.

Jackson Pollock dripping

(Vinci, 15 avril 1452 – Amboise, 2 mai 1519).
Peintre, sculpteur, orfèvre, musicien, architecte, physicien, astronome, savant, géologue, géomètre, anatomiste, botaniste, alchimiste, inventeur visionnaire, ingénieur mécanicien, et militaire, horloger, urbaniste, et homme de science de génie italien.

Léonard est l’un des plus grands hommes de la Renaissance. Il en incarne l’esprit universaliste.

Kasimir Severinovitch Malevitch

Kiev, 1878 – Leningrad, 1935

Malevitch fut un membre actif de l’avant-garde artistique russe et côtoya Kandinsky, Chagall, Rodchenko.

Malevitch produisit des textes théoriques sur l’ art.

En 1915, Malévitch peignit les trois éléments fondateurs du suprématisme : le Carré noir, la Croix noire et le Cercle noir.

Grâce à l’usage des formes simples à caractère géométrique, le suprématisme recherche le caractère infini de l’ espace, et le magnétisme des formes ( relation d’ attraction et de rejet des formes).

Pour Malevitch, l’ art est un processus amenant la sensation ( de l’ artiste au monde) à se concrétiser en œuvre grâce à un module formateur étranger au support, « l’ élément additionnel », qui structure la masse picturale ou les matériaux.

" le suprématisme se pose comme modèle supérieur de la finalité artistique d’ art pur".

Malevitch réalise cette toile pour une exposition à Saint-Pétersbourg, en décembre 1915. Par cette manifestation qu’il intitule lui-même 0.10. La dernière exposition futuriste, il entend rompre avec les avant-gardes occidentales et, par-delà cette opposition, retrouver un "zéro des formes", c’est-à-dire faire table rase, pour amorcer une reconstruction, non pas révolutionnaire ou fracassante, mais infinitésimale. Il y montre pour la première fois ses œuvres abstraites qui incarnent l’idée d’un art à la limite du néant, d’un Rien pensé comme interface entre le visible et l’invisible. En quête d’un être suprême au-delà du monde des objets, l’art de Malevitch, le suprématisme, purifie la peinture en écartant tout ce qui la détourne de son sens.

Tandis que le cercle vient de la rotation du carré, la croix est obtenue par la division du carré en deux rectangles dont l’un pivote sur l’autre à 90°.
Mais la rigueur géométrique qu’évoquent ces indications est tempérée par les irrégularités que le peintre a introduites dans sa toile. Les contours incertains des branches, leur infime inclinaison, la précarité de leur équilibre invitent aussi à considérer la croix, récurrente dans l’œuvre entière de Malevitch, comme un élément chargé d’émotion.

Léonard de Vinci , Raphael , Titien , Sandro Botticelli , Giovanni Antonio Boltraffio , Albrecht Dürer , Lucas Cranach , Antonello da Messina , Pietro Perugino , Hans Memling , Le Greco , Hans Holbein , Fyodor Stepanovich Rokotov , Pierre-Paul Rubens , Gobert , Caspar Netscher , Pierre Mignard , Jean-Marc Nattier , Élisabeth-Louise Vigée-Le Brun , Sir Joshua Reynolds , Franz Xaver Winterhalter , Alexei Vasilievich Tyranov , Vladimir Lukich Borovikovsky , Alexey Gavrilovich Venetsianov , Antoine-Jean Gros , Orest Adamovich Kiprensky , Camille Corot , Edouard Manet , Jean-Auguste-Dominique Ingres , William Clark Wontner , William-Adolphe Bouguereau , Léon françois Comerre , Edmund Blair Leighton , Blaas , Auguste Renoir , Mary Cassat , Alphonse Mucha , Paul Gauguin , Henri Matisse , Francis Picabia , Gustav Klimt , René Magritte , Salvador Dali , Kasimir Malevitch , Knud Merrild , Amadeo Modigliani , Pablo Picasso.

" la réalité est opposée au spirituel.»

 Né le 7 mars 1872 à Amersfoort, aux Pays-Bas, et mort le 1^er février 1944 à New York, aux États-Unis.
Il reconnu comme un des pionniers de l’abstraction, avec les russes Kandinsky et Kasimir Malevitch.

Très influencé par le cubisme, il affirma toutefois sa personnalité par une grande rigueur dans le traitement des perspectives.

En 1912, il s’installe à Paris et approfondit son approche du cubisme : il a découvert Cézanne, Braque et Picasso dès 1911 et Nature morte au pot de gingembre I et II (1912) souligne ses expérimentations cubistes : une grille couvre le tableau et il s’efforce d’y inscrire toutes les figures. En 1913, il travaille en séries et crée ses premières toiles abstraites (Composition n°II).

• « Si nous ne pouvons nous libérer nous-mêmes, nous pouvons libérer notre vision. » Écrit en 1941.
• « Peu à peu, je me suis rendu compte que le cubisme n’acceptait pas les conséquences logiques de ses propres découvertes. »
• " La nature est parfaite, mais l’homme n’a pas besoin , en art, de la nature parfaite ".

Il travailla à la fin de sa vie essentiellement avec des couleurs primaires : le rouge, le jaune et le bleu, qu’il associe au blanc qui lui sert de fond et au noir qui délimite les couleurs entre elles. Il a structuré ses œuvres de manière géometrique en utilisant essentiellement des formes rectangulaires.

Il poursuit ses recherches sur le néoplasticisme, intègre dans ses compositions la notion de rythme après sa découverte du jazz, limite puis accentue le rôle de la couleur, notamment à partir de 1940 quand il s’installe à New York (New York City I, 1942).

Les hommes sont la nature prenant conscience d’elle-même.

Frantisek ou Frank Kupka
Né à Opocno dans une famille modeste de Bohême orientale en 1871
En 1896. Il s’installe à Paris dans le quartier de Montmartre où l’un de ses compatriotes Alfons Mucha réside déjà.

Entre 1900 et 1912, Kupka va fréquenter les milieux anarchistes.En 1914, il participe à la Première Guerre mondiale sur le front de la Somme. De 1915 à 1918, il est membre d’une organisation de volontaires tchèques en France. Sa peinture va évoluer du divisionnisme au fauvisme puis au cubisme. Il est ensuite considéré comme l’un des pionniers méconnus de l’art abstrait. Il meurt à Puteaux en 1957.

"La lisibilité de la peinture non figurative, ou, si l’on veut, le potentiel discursif, expressif, est lié à la technique et aux moyens mis en oeuvre.Tout dépend des traits, des lignes, des relations, des étendues, et des valeurs lumineuses entre elles, de l’accord des proportions et des volumes. Ce sont là les agents de l’expression, dotés chacun de son identité spécifique, au même titre que les élèments de n’importe quel complexe articulé- détails inséparables de l’ensemble, comme le sont les timbres, les tierces, les quintes en musique ou encore les phonèmes, les syllabes, les mots et les phrases de l’expression verbale"

"Nous distinguons deux grandes catégories d’oeuvres plastiques. Il y a d’une part, celles qui témoignent du parti pris de saisir simplement l’impression reçue des formes de la nature dans son émergence, telle qu’elle s’annonce à la conscience. Mais il y en a d’autres où le peintre ou le sculpteur nous donne à déchiffrer une pensée spéculative qui se traduit par une combinaison d’éléments plastiques ou chromatiques".

(28 octobre 1909 à Dublin – 28 avril 1992 à Madrid) 
Peintre irlandais.

Bacon est un artiste autodidacte. Parmi ses influences, on reconnaît Pablo Picasso bien sûr et Diego Vélasquez, Nicolas Poussin ou encore Rembrandt. Il affirma que son influence du surréalisme ne provenait pas d’un peintre, mais des films de Luis Buñuel

Corps et visages, tordus et écrabouillés, musculeux, déformés,  ces distorsions crispées, ces contractures paroxystiques, ces poses, sont témoignent de fulgurances nerveuses et d’un emportement furieux, presque athlétique, plus somatiques que psychologiques de la mystérieuse animalité d’anthropoïde solitaire et désolée qui est en chaque homme.

"Peindre le cri plutôt que l’horreur"
"La violence doit résider dans la peinture elle-même non dans la scène qu’elle montre."
"Je suis sûr que chaque artiste se situe quelque part, travaille à partir d’un certain héritage et se trouve placé sur une certaine trajectoire. De même d’ailleurs qu’il s’ingénie à enfoncer avec obstination le même clou, mais cela est une autre histoire."
"Je crois que l’homme aujourd’hui réalise qu’il est un accident, que son existence est futile et qu’il a à jouer un jeu insensé."

Francis Bacon fait vibrer la place de Paris

le «record pour une œuvre d’art contemporain vendue en France» et même le «record pour une œuvre d’art (tout court) vendue en France depuis 1989», soit depuis Les Noces de Pierrette de Picasso achetées 300 MF (45 M€) à Drouot en 1989. Le Bacon vendu 13,696 M€ (plus de 20 M$) par Sotheby’s, à Paris mercredi soir, est très loin du plus cher Bacon vendu aux enchères.

GEORGES RICARD-CORDINGLEY

La ligne d’horizon est l’évocation de l’infini.

Né en 1873 à Lyon, Georges Ricard-Cordingley a passé sa vie, à sillonner terres et mers.  il connaît dès sa jeunesse à Paris, puis à Londres, une gloire précoce à laquelle il renonce en embarquant pour Terre-Neuve.
Expérience décisive dans l’orientation de sa vie. De Londres à Sydney, en passant par Marrakech, de Boulogne-sur-Mer « l’incontournable pôle de ses voyages maritimes » à Cannes, il a mené, comme un sacerdoce, une vie entièrement dévouée à la peinture,
sa passion, son métier, sa raison de vivre.

La passion de Ricard-Cordingley pour l’océan s’est révélée au cours de son séjour outre-Manche.  la vie très rude en mer conforte l’artiste dans sa vocation : peindre la mer sous tous ses aspects, en traduire toutes les émotions, immortaliser la vie des gens de mer et leurs grandeurs.
« La ligne d’horizon est l’évocation de l’infini. » (G. Ricard-Cordingley)

• Ne pas peindre avant d’avoir tout résolu par le dessin
• Les accents de l’eau sont très intenses, comme violets. Les vagues se modèlent par les reflets obliques.
• La ligne d’horizon est l’évocation de l’infini.
• Faire une étude d’après nature ce n’est pas accumuler tous les détails possibles, c’est chercher tout ce qu’on peut supprimer comme parties nuisant à l’impression d’ensemble qui, seule, compte.
• Il faudrait avoir deux ou trois palettes, dont une pour le ciel qu’on ne salirait pas.
• Toujours peindre pour soi-même pour exprimer sa pensée sans jamais songer qu’elle doit être mise sous d’autres yeux. Cela développe l’individualité et par conséquent le charme.
• Quel que soit le but, quelle que soit l’intention de l’artiste, la rigueur de la forme est comme l’armature sur laquelle toute l’œuvre repose, la condition essentielle à toute possibilité de vie et de réalité. Celle-ci se retrouve dans tous les chefs-d’œuvre, sans exception.
• Nous sommes limités en face de problèmes illimités.
• Tout tableau qui n’est pas l’orchestration d’une harmonie (mineure ou majeure) est une trahison envers la nature, l’art et sa propre pensée.
• Marche à suivre pour l’observation d’un bon croquis de huit minutes : 1. grand ligne de la composition : 2 minutes – 2. les trois valeurs d’ensemble : 2 minutes – 3. Les accents de puissance : 1 minute – 4. le morceau central d’intérêt avec autant de minutie et d’exactitude que possible : 3 minutes et à volonté.
• Comme ces fleurs ramassées seulement au sommet des montagnes, l’inspiration est une fleur seulement cueillie aux régions élevées de la pensée.
• Je ne veux voir que le ciel, la mer et les monts qu’aux heures d’harmonie. Je ne veux pénétrer dans l’âme humaine qu’en ses heures de vaillance et d’amour.

Son nom est l’acronyme de « Copenhague, Bruxelles, Amsterdam » du nom des villes dont sont originaires les membres fondateurs :

Charles Matton

Peintures, sculptures, dessin, boites et cinéma

Artiste multiforme, depuis plus de cinquante ans, il navigue entre maquette et photo, photo et peinture, peinture et cinéma.

Amoureux des formes et de l’illusion, il joue sur les frontières entre ces différents médiums et la construction et donne à voir des espaces imaginaires issus de ses souvenirs ou de minutieuses et fidèles reconstitutions de lieux aussi emblématiques que l’atelier de Bacon (à découvrir sur place), celui de Giacometti ou encore le Paramount Théâtre d’Auckland en travaillant sur la déconstruction de l’espace et de la perspective.

Hubert Hamot Numartis