Kandinsky

Expositions au Centre Pompidou

8 avril – 10 août 2009
11h00 – 23h00

Le Manifeste de l’hôtel Chelsea 1961 (extraits)

Attendu que j’ai peint des monochromes pendant quinze ans,
Attendu que j’ai créé des états de peinture immatérielle,
Attendu que j’ai manipulé les forces du vide,
Attendu que j’ai sculpté le feu et l’eau et que, du feu et de l’eau, j’ai tiré des peintures,
Attendu que je me suis servi de pinceaux vivants pour peindre, en d’autres termes du corps nu de modèles vivants enduits de peinture, ces pinceaux vivants étant constamment placés sous mes ordres, du genre : « un petit peu à droite ; et maintenant vers la gauche ; de nouveau un peu à droite », etc. Pour ma part, j’avais résolu le problème du détachement en me maintenant à une distance définie et obligatoire de la surface à peindre,
Attendu que j’ai inventé l’architecture et l’urbanisme de l’air – bien sûr, cette nouvelle conception transcende le sens traditionnel des termes « architecture » et « urbanisme », mon but, à l’origine, étant de renouer avec la légende du paradis perdu. Ce projet a été appliqué à la surface habitable de la Terre par la climatisation des grandes étendues géographiques, à travers un contrôle absolu des situations thermiques et atmosphériques, dans ce qui les relie à notre condition d’êtres morphologiques et psychiques,
Attendu que j’ai proposé une nouvelle conception de la musique avec ma « symphonie monoton »,
Attendu que parmi d’autres aventures sans nombre, j’ai recueilli le précipité d’un théâtre du vide,

Yves Klein naît le 28 avril 1928 à Nice.

Son père, Fred Klein, est un peintre figuratif, et sa mère, Marie Raymond, peintre abstrait géométrique.

En 1952, il part se perfectionner dans la pratique du judo au Japon où il devient ceinture noire, quatrième dan, grade qu’aucun Français n’a atteint à cette époque.

Parallèlement au judo, il découvre la mystique des Rose-Croix qu’il étudit par la lecture de « la Cosmogonie » de Max Heindel puis le philosophe Gaston Bachelard.

En 1955 : il expose au Club des solitaires de Paris, où il rencontre le critique d’art Pierre Restany et qui lance sa carrière.

En 1957, son « époque bleue » : Klein met au point une formule originale, validée en 1960 par l’Institut National de la Propriété industrielle : l’IKB (International Klein Blue). Sa renommée est mondiale, il participe à la fondation du Nouveau Réalisme avec notamment Restany et Arman.

En 1960, il utilise l’or, le feu, et met en place des œuvres rassemblant une trilogie de couleurs bleue, or et rose.

En 1961, il réalise un ex-voto en forme de triptyque qu’il dédie à Sainte Rita ; il organise la même année une exposition en Allemagne, à Krefeld, où il répartit les trois couleurs dans l’espace ; il les utilise pour les faire-part de son mariage avec Rotraut Uecker en janvier 1962 qu’il métamorphose ainsi en œuvre d’art.

Il meurt d’une crise cardiaque en juin 1962.

Caractéristiques

• focalisation sur la valeur expressive et symbolique de la couleur
  (Kandinsky)
• abstraction géométrique (De Stjl : Mondrian, Van Doesburg)
• Suprématisme : (Malévitch).
  l’expression spirituelle de la pureté et de la
  perfection

Forme d’art qui n’essaie pas de représenter le monde sensible. La peinture peut se passer de modèle et s’affranchit de la fidélité à la réalité visuelle.

Abstraction lyrique (Paris après guerre)

Ils sont en quelque sorte les premiers à appliquer les leçons de Kandinsky par l’ouverture à l’expression personnelle de l’artiste.

Artistes majeurs

• Wassily Kandinsky
• Kasimir Malevitch
• Piet Mondrian
• Paul Klee
• Mark Rothko
• Robert Delaunay
• Abstraction lyrique
• Jackson Pollock
• Willem de Kooning
• Pierre Soulages
• Jean Bazaine
• Roger Bissière
• Olivier Debré
• Maurice Estève
• Jean Fautrier, Pierre Fichet
• Oscar Gauthier, Elvire Jan
• Serge Poliakoff
• Nicolas de Staël
• Zao Wou-Ki

Peintre français, né le 24 décembre 1919 à Rodez.

Soulages a choisi l’abstraction car il dit ne pas voir pas l’intérêt de passer « par le détour de la représentation [...] Je ne représente pas, dit-il, je présente. Je ne dépeins pas, je peins »

En janvier 1979, Soulages en travaillant sur un tableau ajoute, retire du noir pendant des heures. Ne sachant plus quoi faire, il quitte l’atelier, désemparé. Lorsqu’il y revient deux heures plus tard : « Le noir avait tout envahi, à tel point que c’était comme s’il n’existait plus ». Cette expérience marque un tournant dans son travail. La même année, il expose au Centre Georges-Pompidou ses premières peintures monopigmentaires, fondées sur la réflexion de la lumière sur les états de surface du noir, appelé plus tard « outre-noir ».

Jackson Pollock,

surnommé Jack the Dripper
né le 28 janvier 1912 à Cody dans le Wyoming et mort le 11 août 1956.
Un des plus grands peintres américains du XX^e siècle.
Son travail était une de quête spirituelle exigeant une extraordinaire force psychique. Se confronter à la surface vide de la toile et chercher à y projeter de l’ordre et du sens était, selon lui, une démarche représentative de la crise existentielle de l’homme moderne.

Ayant sombré à nouveau dans l’alcool, et alors qu’il n’a plus rien produit durant les dernières années de sa vie, il décède dans un accident de voiture le 11 août 1956 dans la ville de Springs dans l’état de New York.

Jackson Pollock dripping

Kasimir Severinovitch Malevitch

Kiev, 1878 – Leningrad, 1935

Malevitch fut un membre actif de l’avant-garde artistique russe et côtoya Kandinsky, Chagall, Rodchenko.

Malevitch produisit des textes théoriques sur l’ art.

En 1915, Malévitch peignit les trois éléments fondateurs du suprématisme : le Carré noir, la Croix noire et le Cercle noir.

Grâce à l’usage des formes simples à caractère géométrique, le suprématisme recherche le caractère infini de l’ espace, et le magnétisme des formes ( relation d’ attraction et de rejet des formes).

Pour Malevitch, l’ art est un processus amenant la sensation ( de l’ artiste au monde) à se concrétiser en œuvre grâce à un module formateur étranger au support, « l’ élément additionnel », qui structure la masse picturale ou les matériaux.

" le suprématisme se pose comme modèle supérieur de la finalité artistique d’ art pur".

Malevitch réalise cette toile pour une exposition à Saint-Pétersbourg, en décembre 1915. Par cette manifestation qu’il intitule lui-même 0.10. La dernière exposition futuriste, il entend rompre avec les avant-gardes occidentales et, par-delà cette opposition, retrouver un "zéro des formes", c’est-à-dire faire table rase, pour amorcer une reconstruction, non pas révolutionnaire ou fracassante, mais infinitésimale. Il y montre pour la première fois ses œuvres abstraites qui incarnent l’idée d’un art à la limite du néant, d’un Rien pensé comme interface entre le visible et l’invisible. En quête d’un être suprême au-delà du monde des objets, l’art de Malevitch, le suprématisme, purifie la peinture en écartant tout ce qui la détourne de son sens.

Tandis que le cercle vient de la rotation du carré, la croix est obtenue par la division du carré en deux rectangles dont l’un pivote sur l’autre à 90°.
Mais la rigueur géométrique qu’évoquent ces indications est tempérée par les irrégularités que le peintre a introduites dans sa toile. Les contours incertains des branches, leur infime inclinaison, la précarité de leur équilibre invitent aussi à considérer la croix, récurrente dans l’œuvre entière de Malevitch, comme un élément chargé d’émotion.

Les hommes sont la nature prenant conscience d’elle-même.

Frantisek ou Frank Kupka
Né à Opocno dans une famille modeste de Bohême orientale en 1871
En 1896. Il s’installe à Paris dans le quartier de Montmartre où l’un de ses compatriotes Alfons Mucha réside déjà.

Entre 1900 et 1912, Kupka va fréquenter les milieux anarchistes.En 1914, il participe à la Première Guerre mondiale sur le front de la Somme. De 1915 à 1918, il est membre d’une organisation de volontaires tchèques en France. Sa peinture va évoluer du divisionnisme au fauvisme puis au cubisme. Il est ensuite considéré comme l’un des pionniers méconnus de l’art abstrait. Il meurt à Puteaux en 1957.

"La lisibilité de la peinture non figurative, ou, si l’on veut, le potentiel discursif, expressif, est lié à la technique et aux moyens mis en oeuvre.Tout dépend des traits, des lignes, des relations, des étendues, et des valeurs lumineuses entre elles, de l’accord des proportions et des volumes. Ce sont là les agents de l’expression, dotés chacun de son identité spécifique, au même titre que les élèments de n’importe quel complexe articulé- détails inséparables de l’ensemble, comme le sont les timbres, les tierces, les quintes en musique ou encore les phonèmes, les syllabes, les mots et les phrases de l’expression verbale"

"Nous distinguons deux grandes catégories d’oeuvres plastiques. Il y a d’une part, celles qui témoignent du parti pris de saisir simplement l’impression reçue des formes de la nature dans son émergence, telle qu’elle s’annonce à la conscience. Mais il y en a d’autres où le peintre ou le sculpteur nous donne à déchiffrer une pensée spéculative qui se traduit par une combinaison d’éléments plastiques ou chromatiques".

Mark Rothko fut un homme extrêmement cultivé, amateur de musique et de littérature et passioné par la philosophie, avec une préférence importante pour  Nietzche et la mythologie grecque. Il était très influencé par l’œuvre d’Henri Matisse.

Il est d’origine juive, né Marcus Rothkowitz à Daugavpils (Dvinsk), Russie en 1903.
il émigre avec sa mère et sa sœur à Portland (Oregon) en 1913.
En 1940 il adopte le nom américanisé de Mark Rothko, deux ans après avoir pris la nationalité américaine.

ll invente une nouvelle façon, méditative, de peindre, que le critique Clement Greenberg définira comme le Colorfield Painting composées de « champs colorés ».

Sa carrière démarre, notamment grâce au collectionneur Duncan Philips qui lui achète plusieurs tableaux, et, après un long voyage du peintre en Europe, lui consacre une salle entière de sa collection (rêve de Rothko qui souhaitait que les visiteurs ne soient pas perturbés par d’autres œuvres).
Les années 1960 seront pour lui la période des grandes commandes publiques (Université de Harvard, Marlborough Gallery de Londres, chapelle à Houston) et du développement de ses idées sur la peinture. Mais cet élan créateur et de reconnaissance sera stoppé par la maladie, un anévrisme de l’aorte handicapant qui l’empêchera de peindre des grands formats.
Mark Rothko se suicidera en 1970.

Dans ses toiles, il s’exprime exclusivement par le moyen de la couleur qu’il pose sur la toile en aplats à bords indécis, en surfaces mouvantes, parfois monochromes et parfois composées de bandes diversement colorées. Il atteint ainsi une dimension spirituelle particulièrement sensible.

le livre le plus crucial pour Rothko dans cette période serait La Naissance de la tragédie de Friedrich Nietzsche.

La nouvelle vision de Rothko essayerait donc de s’adresser aux exigences de la spiritualité de l’homme moderne et aux exigences créatives mythologiques, à l’identique de Nietzsche clamant que la tragédie grecque est une recherche humaine pour racheter les terreurs d’une vie mortelle. Les objectifs artistiques modernes ont cessé d’être le but de Rothko. À partir de ce moment là, son art soutiendrait en tant que but final, le fardeau de soulager le vide spirituel fondamental de l’homme moderne ; un vide créé en partie par l’absence d’une mythologie adressée correctement à « la croissance d’un esprit enfantin et (…) à la vie et les luttes d’un homme » et pour fournir la reconnaissance esthétique nécessaire à la libération des énergies inconscientes, précédemment libérées par les images, symboles et rituels mythologiques.

Rothko se considérait lui-même comme un « faiseur de mythe » et proclamait que le seul sujet valide était celui qui est tragique. « L’expérience tragique ragaillardie » a-t-il écrit, « est pour moi la seule source d’art».

L’art abstrait n’essaie pas de représenter le monde visuellement sensible.

Cet art se passe de modèle il s’est libérer de la fidélité à la réalité figurative.

Wassily Kandinsky

est le fondateur de l’art abstrait.

Il a peint sa première aquarelle abstraite Sans titre en 1910.

Il s’installe à Munich où il étudie à l’Académie des Beaux-Arts. Il retourne à Moscou en 1918 après la révolution russe. Mais se trouvant en conflit avec les théories officielles de l’art, il retourne en Allemagne en 1921. Il y enseigne au Bauhaus à partir de 1922 jusqu’à sa fermeture par les nazis en 1933. Il émigre alors en France et y vécut le reste de sa vie, acquérant la nationalité française en 1939. Il est mort à Neuilly-sur-Seine en 1944.

Extraits de « du spirituel dans l’art » et « point et ligne sur plan »

Kandinsky compare la vie spirituelle de l’humanité à un grand Triangle semblable à une pyramide et que l’artiste a pour tâche et pour mission d’entraîner vers le haut par l’exercice de son talent. La pointe du Triangle est constituée seulement de quelques individus qui apportent aux hommes le pain sublime. Un Triangle spirituel qui avance et monte lentement, même s’il reste parfois immobile. Durant les périodes de décadence les âmes tombent vers le bas du Triangle et les hommes ne recherchent que le succès extérieur et ignorent les forces purement spirituelles.

Lorsque l’on regarde les couleurs sur la palette d’un peintre, un double effet se produit : un effet purement physique de l’œil charmé par la beauté des couleurs tout d’abord, qui provoque une impression de joie comme lorsque l’on mange une friandise. Mais cet effet peut être beaucoup plus profond et entraîner une émotion et une vibration de l’âme, ou une résonance intérieure qui est un effet purement spirituel par lequel la couleur atteint l’âme.

La nécessité intérieure est le principe de l’art et le fondement de l’harmonie des formes et des couleurs. Il la définit comme le principe de l’entrée en contact efficace de la forme avec l’âme humaine. Toute forme est la délimitation d’une surface par une autre, elle possède un contenu intérieur qui est l’effet qu’elle produit sur celui qui la regarde avec attention. Cette nécessité intérieure est le droit de l’artiste à la liberté illimitée, mais cette liberté devient un crime si elle n’est pas fondée sur une telle nécessité. L’œuvre d’art naît de la nécessité intérieure de l’artiste de façon mystérieuse, énigmatique et mystique, puis elle acquiert une vie autonome, elle devient un sujet indépendant animé d’un souffle spirituel.

La chaleur est une tendance au jaune, la froideur une tendance au bleu. Le jaune et le bleu forment le premier grand contraste, qui est dynamique. Le jaune possède un mouvement excentrique et le bleu un mouvement concentrique ». Le bleu est la couleur typiquement céleste qui évoque un calme profond. Le mélange du bleu et du jaune produit l’immobilité totale et le calme, le vert.

La clarté est une tendance vers le blanc et l’obscurité une tendance vers le noir. Le blanc et le noir forment le second grand contraste, qui est statique. Le blanc agit comme un silence profond et absolu plein de possibilités. Le noir est un néant sans possibilité, il est un silence éternel et sans espoir, il correspond à la mort. C’est pourquoi toute autre couleur résonne si fortement à son voisinage. Le mélange du blanc et du noir conduit au gris, qui ne possède aucune force active et dont la tonalité affective est voisine de celle du vert. Le gris correspond à l’immobilité sans espoir, il tend vers le désespoir lorsqu’il devient foncé et retrouve un peu d’espoir en s’éclaircissant.

Le point est dans la pratique une petite tache de couleur déposée par l’artiste sur la toile. Le point qu’utilise le peintre donc n’est pas un point géométrique, il n’est pas une abstraction mathématique, il possède une certaine extension, une forme et une couleur. Cette forme peut être carrée, triangulaire, ronde, en forme d’étoile ou plus complexe encore. Le point est la forme la plus concise, mais selon son emplacement sur le plan originel il va prendre une tonalité différente. Il peut être seul et isolé ou bien être mis en résonance avec d’autres points ou avec des lignes.

La ligne est le produit d’une force, elle est un point sur lequel une force vivante s’est exercée dans une certaine direction, la force exercée sur le crayon ou sur le pinceau par la main de l’artiste. Les formes linéaires produites peuvent être de plusieurs types : une ligne droite qui résulte d’une force unique exercée dans une seule direction, une ligne brisée qui résulte de l’alternance de deux forces possédant des directions différentes, ou bien une ligne courbe ou ondulée produite par l’effet de deux forces qui agissent simultanément. Une surface peut être obtenue par densification, à partir d’une ligne que l’on fait pivoter autour d’une de ses extrémités.