Les hommes sont la nature prenant conscience d’elle-même.

Frantisek ou Frank Kupka
Né à Opocno dans une famille modeste de Bohême orientale en 1871
En 1896. Il s’installe à Paris dans le quartier de Montmartre où l’un de ses compatriotes Alfons Mucha réside déjà.

Entre 1900 et 1912, Kupka va fréquenter les milieux anarchistes.En 1914, il participe à la Première Guerre mondiale sur le front de la Somme. De 1915 à 1918, il est membre d’une organisation de volontaires tchèques en France. Sa peinture va évoluer du divisionnisme au fauvisme puis au cubisme. Il est ensuite considéré comme l’un des pionniers méconnus de l’art abstrait. Il meurt à Puteaux en 1957.

"La lisibilité de la peinture non figurative, ou, si l’on veut, le potentiel discursif, expressif, est lié à la technique et aux moyens mis en oeuvre.Tout dépend des traits, des lignes, des relations, des étendues, et des valeurs lumineuses entre elles, de l’accord des proportions et des volumes. Ce sont là les agents de l’expression, dotés chacun de son identité spécifique, au même titre que les élèments de n’importe quel complexe articulé- détails inséparables de l’ensemble, comme le sont les timbres, les tierces, les quintes en musique ou encore les phonèmes, les syllabes, les mots et les phrases de l’expression verbale"

"Nous distinguons deux grandes catégories d’oeuvres plastiques. Il y a d’une part, celles qui témoignent du parti pris de saisir simplement l’impression reçue des formes de la nature dans son émergence, telle qu’elle s’annonce à la conscience. Mais il y en a d’autres où le peintre ou le sculpteur nous donne à déchiffrer une pensée spéculative qui se traduit par une combinaison d’éléments plastiques ou chromatiques".

(28 octobre 1909 à Dublin – 28 avril 1992 à Madrid) 
Peintre irlandais.

Bacon est un artiste autodidacte. Parmi ses influences, on reconnaît Pablo Picasso bien sûr et Diego Vélasquez, Nicolas Poussin ou encore Rembrandt. Il affirma que son influence du surréalisme ne provenait pas d’un peintre, mais des films de Luis Buñuel

Corps et visages, tordus et écrabouillés, musculeux, déformés,  ces distorsions crispées, ces contractures paroxystiques, ces poses, sont témoignent de fulgurances nerveuses et d’un emportement furieux, presque athlétique, plus somatiques que psychologiques de la mystérieuse animalité d’anthropoïde solitaire et désolée qui est en chaque homme.

"Peindre le cri plutôt que l’horreur"
"La violence doit résider dans la peinture elle-même non dans la scène qu’elle montre."
"Je suis sûr que chaque artiste se situe quelque part, travaille à partir d’un certain héritage et se trouve placé sur une certaine trajectoire. De même d’ailleurs qu’il s’ingénie à enfoncer avec obstination le même clou, mais cela est une autre histoire."
"Je crois que l’homme aujourd’hui réalise qu’il est un accident, que son existence est futile et qu’il a à jouer un jeu insensé."

Francis Bacon fait vibrer la place de Paris

le «record pour une œuvre d’art contemporain vendue en France» et même le «record pour une œuvre d’art (tout court) vendue en France depuis 1989», soit depuis Les Noces de Pierrette de Picasso achetées 300 MF (45 M€) à Drouot en 1989. Le Bacon vendu 13,696 M€ (plus de 20 M$) par Sotheby’s, à Paris mercredi soir, est très loin du plus cher Bacon vendu aux enchères.

Roy Fox Lichtenstein

est né le 27 octobre 1923 à Manhattan aux États-Unis

C’est l’un des artistes les plus importants du mouvement pop art américain. Ses œuvres s’inspirent fortement de la publicité et de l’imagerie populaire de son époque, ainsi que des «comics » (bandes-dessinées). Il décrira lui-même son style comme étant « aussi artificiel que possible ».

Lichtenstein, puise son inspiration dans les comics américains – personnages stylisés, contours noirs, couleurs saturées reconnaissables au premier coup d’oeil, elles sont marquées par une grande ironie à l’égard des symboles américains – héroïnes blondes au maquillage outrancier, crashs de voitures… – révélant sous une apparente légèreté un artiste profondément subversif.

« Je cherche le choc visuel en priorité »

«Ce qui marque le pop, c’est avant tout l’usage qu’il fait de ce qui est méprisé et on insiste sur les moyens les plus pratiques, les moins esthétiques, les plus beuglants des aspects de la publicité.»

Malgré cette apparente futilité, Lichtenstein ne cesse d’interroger l’art ancien et les fondements de la peinture : il réalise des œuvres d’après Monet (Cathedral 6, 1969), où la trame du papier imite la technique divisionniste, revisite Picasso et Van Gogh, travaille sur le thème de la nature morte ou du miroir, s’essaie à la sculpture (Brushstroke Sculpture, 1996) et l’abstraction géomtrique dans ses Imperfect Paintings…

Hubert Hamot Numartis

« Je suis un peintre qui vient de l’imprimerie ».

« Cobra fut mon école » souligne-t-il. Auprès de Karel Appel, Christian Dotremont et Asger Jorn entre autres, il fut l’un des plus jeunes participants du mouvement.

À notre époque où une technologie exagérée risque de compromettre les pouvoirs de la main, voire de l’humain, Cobra fut en effet une simple, mais non simpliste, « base de données » dont la spontanéité fut l’un des réactifs. Dans ses dessins, peintures et textes, Alechinsky n’a jamais cessé d’en développer l’esprit.

Le circuit de l’exposition se composera de groupes d’œuvres significatives, telle Les hautes herbes de 1951 (Coll. Museo Reina Sofia, Madrid), œuvre qui précède la fin de Cobra et le départ d’Alechinsky pour Paris.

My photographs are mainly based on my dreams. The vocabulary in my work references different cultures, history, nature, religion, architecture, and landscapes. My photographic process consists of layering multiple images, and manipulating the negative itself by drawing on or scratching into it, to achieve the desired effect in the darkroom.

I always know what I want to achieve, but the finished work always takes a life of its own and goes far beyond my greatest expectations

L’art abstrait n’essaie pas de représenter le monde visuellement sensible.

Cet art se passe de modèle il s’est libérer de la fidélité à la réalité figurative.

Wassily Kandinsky

est le fondateur de l’art abstrait.

Il a peint sa première aquarelle abstraite Sans titre en 1910.

Il s’installe à Munich où il étudie à l’Académie des Beaux-Arts. Il retourne à Moscou en 1918 après la révolution russe. Mais se trouvant en conflit avec les théories officielles de l’art, il retourne en Allemagne en 1921. Il y enseigne au Bauhaus à partir de 1922 jusqu’à sa fermeture par les nazis en 1933. Il émigre alors en France et y vécut le reste de sa vie, acquérant la nationalité française en 1939. Il est mort à Neuilly-sur-Seine en 1944.

Extraits de « du spirituel dans l’art » et « point et ligne sur plan »

Kandinsky compare la vie spirituelle de l’humanité à un grand Triangle semblable à une pyramide et que l’artiste a pour tâche et pour mission d’entraîner vers le haut par l’exercice de son talent. La pointe du Triangle est constituée seulement de quelques individus qui apportent aux hommes le pain sublime. Un Triangle spirituel qui avance et monte lentement, même s’il reste parfois immobile. Durant les périodes de décadence les âmes tombent vers le bas du Triangle et les hommes ne recherchent que le succès extérieur et ignorent les forces purement spirituelles.

Lorsque l’on regarde les couleurs sur la palette d’un peintre, un double effet se produit : un effet purement physique de l’œil charmé par la beauté des couleurs tout d’abord, qui provoque une impression de joie comme lorsque l’on mange une friandise. Mais cet effet peut être beaucoup plus profond et entraîner une émotion et une vibration de l’âme, ou une résonance intérieure qui est un effet purement spirituel par lequel la couleur atteint l’âme.

La nécessité intérieure est le principe de l’art et le fondement de l’harmonie des formes et des couleurs. Il la définit comme le principe de l’entrée en contact efficace de la forme avec l’âme humaine. Toute forme est la délimitation d’une surface par une autre, elle possède un contenu intérieur qui est l’effet qu’elle produit sur celui qui la regarde avec attention. Cette nécessité intérieure est le droit de l’artiste à la liberté illimitée, mais cette liberté devient un crime si elle n’est pas fondée sur une telle nécessité. L’œuvre d’art naît de la nécessité intérieure de l’artiste de façon mystérieuse, énigmatique et mystique, puis elle acquiert une vie autonome, elle devient un sujet indépendant animé d’un souffle spirituel.

La chaleur est une tendance au jaune, la froideur une tendance au bleu. Le jaune et le bleu forment le premier grand contraste, qui est dynamique. Le jaune possède un mouvement excentrique et le bleu un mouvement concentrique ». Le bleu est la couleur typiquement céleste qui évoque un calme profond. Le mélange du bleu et du jaune produit l’immobilité totale et le calme, le vert.

La clarté est une tendance vers le blanc et l’obscurité une tendance vers le noir. Le blanc et le noir forment le second grand contraste, qui est statique. Le blanc agit comme un silence profond et absolu plein de possibilités. Le noir est un néant sans possibilité, il est un silence éternel et sans espoir, il correspond à la mort. C’est pourquoi toute autre couleur résonne si fortement à son voisinage. Le mélange du blanc et du noir conduit au gris, qui ne possède aucune force active et dont la tonalité affective est voisine de celle du vert. Le gris correspond à l’immobilité sans espoir, il tend vers le désespoir lorsqu’il devient foncé et retrouve un peu d’espoir en s’éclaircissant.

Le point est dans la pratique une petite tache de couleur déposée par l’artiste sur la toile. Le point qu’utilise le peintre donc n’est pas un point géométrique, il n’est pas une abstraction mathématique, il possède une certaine extension, une forme et une couleur. Cette forme peut être carrée, triangulaire, ronde, en forme d’étoile ou plus complexe encore. Le point est la forme la plus concise, mais selon son emplacement sur le plan originel il va prendre une tonalité différente. Il peut être seul et isolé ou bien être mis en résonance avec d’autres points ou avec des lignes.

La ligne est le produit d’une force, elle est un point sur lequel une force vivante s’est exercée dans une certaine direction, la force exercée sur le crayon ou sur le pinceau par la main de l’artiste. Les formes linéaires produites peuvent être de plusieurs types : une ligne droite qui résulte d’une force unique exercée dans une seule direction, une ligne brisée qui résulte de l’alternance de deux forces possédant des directions différentes, ou bien une ligne courbe ou ondulée produite par l’effet de deux forces qui agissent simultanément. Une surface peut être obtenue par densification, à partir d’une ligne que l’on fait pivoter autour d’une de ses extrémités.