Numartis

Kandinsky

Expositions au Centre Pompidou

8 avril – 10 août 2009
11h00 – 23h00

Ayant évolué librement au fil des ans dans les différents mouvements et expressions artistiques, je suis au carrefour de l’expressionnisme de Kandinsky de l’abstraction américaine de Pollock et Rothko et du Pop Art de Warhol et Lichtenstein.
Ces influences m’ont amené à penser ce que je nomme le digital pop art.
Digital car j’ai choisi internet, l’ordinateur, les logiciels de traitement d’image et la photographie numérique, qui sont la trousse à outils moderne de l’artiste créateur d’œuvre graphiques.
Pop art car mon approche de l’expression artistique est proche de ce mouvement des années soixante dix.

J’adhère au code de couleurs et à l’ensemble de la théorisation de Kandinsky (du spirituel dans l’art et point et ligne sur plan). Je recherche la force graphique et spirituelle de l’abstraction de Rothko. Je suis un enfant de la télévision et du monde médiatique qui m’amène à utiliser les symboles de cette société pour la critiquer, l’analyser ou l’explorer. Mes images doivent être appréciées selon ces axes de lecture.

La plupart de mes images ont un dimension abstraite grâce à la force des couleurs très saturées et aux éléments graphiques qui s’entrecroisent. Mes couleurs de base sont le rouge et le bleu pour leur valeurs symboliques et picturales opposées. Le rouge ( extérieur, rayonnement, force ) et le bleu ( intérieur, profondeur, calme) autour desquels les couleurs composent, avec les lignes et points, une composition tendant vers l’harmonie et le message d’équilibre qui est au fond de mon travail.

Mes images sont conçues sur les trois piliers que sont la force des couleurs (expressionnisme) , la force de la composition (spiritualité, abstraction) et la symbolique moderne (Pop Art).

Par la composition complexe des mes images j’atteins mon objectif. Une première lecture se produit grâce aux images mises en évidence, un personnage, un mot… D’autres, de plus en plus dissimulées ou intégrées permettent d’approfondir la lecture de l’image.

J’utilise l’outil informatique après quelques années de pratique classique (dessin, peinture à l’huile ou acrylique) pour sa réactivité, la liberté de correction, la rapidité, la facilité de stockage etc.

Selon moi, l’art numérique est une évolution inéluctable de l’art. Qu’il soit une extension naissante dans le champ des explorations ou un outil donnant une lecture innovante des références visuelles afin d’approfondir les recherches passées ou présentes, l’art utilisant la force de calcul informatique fera peu à peu sa place dans l’histoire.

L’ordinateur est mon outil, il ne fait pas l’essentiel de la création. J’emploie une tablette graphique, indispensable pour l’artiste numérique afin de conserver la force créative du mouvement de la main et du crayon. Certes, le logiciel permet de faire des tâches automatiques, elles ne sont que des actions précises et non une assistance ou un robot. Le style est néanmoins possible car les réglages les nuances sont extrêmement fines. L’informatique n’est qu’une technique que l’artiste doit apprivoiser afin de servir sa créativité.

Kandinsky est l’inventeur de l’abstraction lyrique.

Il est peintre et théoricien de l’art ( du spirituel dans l’art )

C’est à la découverte des Meules de Claude Monet qu’ il décide de se consacrer totalement à la peinture.

L’orientation de cet artiste est aussitôt de chercher à se libérer de la référence au réel. c’est en 1910 avec ses premières œuvres abstraites que Kandinsky consacre l’abandon volontaire de la figuration, la toile (plan) est « le lieu d’oppositions multiples de forces et de couleurs ».

1. lignes géométriques à gauche,
2. formes libres à droite.

L’accent principal est mis sur les trois couleurs primaires qui, de gauche à droite et dans l’ordre : jaune, rouge, bleu, articulent la composition. L’opposition du jaune chaud, lié au mouvement, et du bleu froid, stable, lié à la forme du cercle y est mise en jeu.

Dans ce rectangle aux dimensions parfaites, « Soleil » et « Lune » se donnent rendez-vous. Soleil sous la forme d’un visage vu de face et de profil, lune qui se diffracte dans l’échantillonnage des bleus, violets, roses.

« Jaune et bleu par rapport au rouge… Phébus et la Lune s’évitent et se retrouvent quand même entre jour et nuit comme l’aurore et le couchant. Naissance mystérieuse du rouge par la tendance simultanée à l’éloignement et à l’ascension du jaune et du bleu. »

L’art abstrait n’essaie pas de représenter le monde visuellement sensible.

Cet art se passe de modèle il s’est libérer de la fidélité à la réalité figurative.

Wassily Kandinsky

est le fondateur de l’art abstrait.

Il a peint sa première aquarelle abstraite Sans titre en 1910.

Il s’installe à Munich où il étudie à l’Académie des Beaux-Arts. Il retourne à Moscou en 1918 après la révolution russe. Mais se trouvant en conflit avec les théories officielles de l’art, il retourne en Allemagne en 1921. Il y enseigne au Bauhaus à partir de 1922 jusqu’à sa fermeture par les nazis en 1933. Il émigre alors en France et y vécut le reste de sa vie, acquérant la nationalité française en 1939. Il est mort à Neuilly-sur-Seine en 1944.

Extraits de « du spirituel dans l’art » et « point et ligne sur plan »

Kandinsky compare la vie spirituelle de l’humanité à un grand Triangle semblable à une pyramide et que l’artiste a pour tâche et pour mission d’entraîner vers le haut par l’exercice de son talent. La pointe du Triangle est constituée seulement de quelques individus qui apportent aux hommes le pain sublime. Un Triangle spirituel qui avance et monte lentement, même s’il reste parfois immobile. Durant les périodes de décadence les âmes tombent vers le bas du Triangle et les hommes ne recherchent que le succès extérieur et ignorent les forces purement spirituelles.

Lorsque l’on regarde les couleurs sur la palette d’un peintre, un double effet se produit : un effet purement physique de l’œil charmé par la beauté des couleurs tout d’abord, qui provoque une impression de joie comme lorsque l’on mange une friandise. Mais cet effet peut être beaucoup plus profond et entraîner une émotion et une vibration de l’âme, ou une résonance intérieure qui est un effet purement spirituel par lequel la couleur atteint l’âme.

La nécessité intérieure est le principe de l’art et le fondement de l’harmonie des formes et des couleurs. Il la définit comme le principe de l’entrée en contact efficace de la forme avec l’âme humaine. Toute forme est la délimitation d’une surface par une autre, elle possède un contenu intérieur qui est l’effet qu’elle produit sur celui qui la regarde avec attention. Cette nécessité intérieure est le droit de l’artiste à la liberté illimitée, mais cette liberté devient un crime si elle n’est pas fondée sur une telle nécessité. L’œuvre d’art naît de la nécessité intérieure de l’artiste de façon mystérieuse, énigmatique et mystique, puis elle acquiert une vie autonome, elle devient un sujet indépendant animé d’un souffle spirituel.

La chaleur est une tendance au jaune, la froideur une tendance au bleu. Le jaune et le bleu forment le premier grand contraste, qui est dynamique. Le jaune possède un mouvement excentrique et le bleu un mouvement concentrique ». Le bleu est la couleur typiquement céleste qui évoque un calme profond. Le mélange du bleu et du jaune produit l’immobilité totale et le calme, le vert.

La clarté est une tendance vers le blanc et l’obscurité une tendance vers le noir. Le blanc et le noir forment le second grand contraste, qui est statique. Le blanc agit comme un silence profond et absolu plein de possibilités. Le noir est un néant sans possibilité, il est un silence éternel et sans espoir, il correspond à la mort. C’est pourquoi toute autre couleur résonne si fortement à son voisinage. Le mélange du blanc et du noir conduit au gris, qui ne possède aucune force active et dont la tonalité affective est voisine de celle du vert. Le gris correspond à l’immobilité sans espoir, il tend vers le désespoir lorsqu’il devient foncé et retrouve un peu d’espoir en s’éclaircissant.

Le point est dans la pratique une petite tache de couleur déposée par l’artiste sur la toile. Le point qu’utilise le peintre donc n’est pas un point géométrique, il n’est pas une abstraction mathématique, il possède une certaine extension, une forme et une couleur. Cette forme peut être carrée, triangulaire, ronde, en forme d’étoile ou plus complexe encore. Le point est la forme la plus concise, mais selon son emplacement sur le plan originel il va prendre une tonalité différente. Il peut être seul et isolé ou bien être mis en résonance avec d’autres points ou avec des lignes.

La ligne est le produit d’une force, elle est un point sur lequel une force vivante s’est exercée dans une certaine direction, la force exercée sur le crayon ou sur le pinceau par la main de l’artiste. Les formes linéaires produites peuvent être de plusieurs types : une ligne droite qui résulte d’une force unique exercée dans une seule direction, une ligne brisée qui résulte de l’alternance de deux forces possédant des directions différentes, ou bien une ligne courbe ou ondulée produite par l’effet de deux forces qui agissent simultanément. Une surface peut être obtenue par densification, à partir d’une ligne que l’on fait pivoter autour d’une de ses extrémités.