Ayant évolué librement au fil des ans dans les différents mouvements et expressions artistiques, je suis au carrefour de l’expressionnisme de Kandinsky de l’abstraction américaine de Pollock et Rothko et du Pop Art de Warhol et Lichtenstein.
Ces influences m’ont amené à penser ce que je nomme le digital pop art.
Digital car j’ai choisi internet, l’ordinateur, les logiciels de traitement d’image et la photographie numérique, qui sont la trousse à outils moderne de l’artiste créateur d’œuvre graphiques.
Pop art car mon approche de l’expression artistique est proche de ce mouvement des années soixante dix.

J’adhère au code de couleurs et à l’ensemble de la théorisation de Kandinsky (du spirituel dans l’art et point et ligne sur plan). Je recherche la force graphique et spirituelle de l’abstraction de Rothko. Je suis un enfant de la télévision et du monde médiatique qui m’amène à utiliser les symboles de cette société pour la critiquer, l’analyser ou l’explorer. Mes images doivent être appréciées selon ces axes de lecture.

La plupart de mes images ont un dimension abstraite grâce à la force des couleurs très saturées et aux éléments graphiques qui s’entrecroisent. Mes couleurs de base sont le rouge et le bleu pour leur valeurs symboliques et picturales opposées. Le rouge ( extérieur, rayonnement, force ) et le bleu ( intérieur, profondeur, calme) autour desquels les couleurs composent, avec les lignes et points, une composition tendant vers l’harmonie et le message d’équilibre qui est au fond de mon travail.

Mes images sont conçues sur les trois piliers que sont la force des couleurs (expressionnisme) , la force de la composition (spiritualité, abstraction) et la symbolique moderne (Pop Art).

Par la composition complexe des mes images j’atteins mon objectif. Une première lecture se produit grâce aux images mises en évidence, un personnage, un mot… D’autres, de plus en plus dissimulées ou intégrées permettent d’approfondir la lecture de l’image.

J’utilise l’outil informatique après quelques années de pratique classique (dessin, peinture à l’huile ou acrylique) pour sa réactivité, la liberté de correction, la rapidité, la facilité de stockage etc.

Selon moi, l’art numérique est une évolution inéluctable de l’art. Qu’il soit une extension naissante dans le champ des explorations ou un outil donnant une lecture innovante des références visuelles afin d’approfondir les recherches passées ou présentes, l’art utilisant la force de calcul informatique fera peu à peu sa place dans l’histoire.

L’ordinateur est mon outil, il ne fait pas l’essentiel de la création. J’emploie une tablette graphique, indispensable pour l’artiste numérique afin de conserver la force créative du mouvement de la main et du crayon. Certes, le logiciel permet de faire des tâches automatiques, elles ne sont que des actions précises et non une assistance ou un robot. Le style est néanmoins possible car les réglages les nuances sont extrêmement fines. L’informatique n’est qu’une technique que l’artiste doit apprivoiser afin de servir sa créativité.

Rothko

26 septembre 2008 – 1 fevrier 2009

Bankside
London SE1 9TG

020 7887 8888

Cette exposition rassemble ses peintures méditatives composées de rouges foncés profonds, oranges lumineux, marrons, noirs et gris.

Elle mettra aussi l’accent sur d’autres oeuvres, telles que les peintures « Black-Form » , sa grande échelle et « Grey Brown » (œuvres sur papier), et sa dernière série « Black on Grey ».

Mark Rothko fut un homme extrêmement cultivé, amateur de musique et de littérature et passioné par la philosophie, avec une préférence importante pour  Nietzche et la mythologie grecque. Il était très influencé par l’œuvre d’Henri Matisse.

Il est d’origine juive, né Marcus Rothkowitz à Daugavpils (Dvinsk), Russie en 1903.
il émigre avec sa mère et sa sœur à Portland (Oregon) en 1913.
En 1940 il adopte le nom américanisé de Mark Rothko, deux ans après avoir pris la nationalité américaine.

ll invente une nouvelle façon, méditative, de peindre, que le critique Clement Greenberg définira comme le Colorfield Painting composées de « champs colorés ».

Sa carrière démarre, notamment grâce au collectionneur Duncan Philips qui lui achète plusieurs tableaux, et, après un long voyage du peintre en Europe, lui consacre une salle entière de sa collection (rêve de Rothko qui souhaitait que les visiteurs ne soient pas perturbés par d’autres œuvres).
Les années 1960 seront pour lui la période des grandes commandes publiques (Université de Harvard, Marlborough Gallery de Londres, chapelle à Houston) et du développement de ses idées sur la peinture. Mais cet élan créateur et de reconnaissance sera stoppé par la maladie, un anévrisme de l’aorte handicapant qui l’empêchera de peindre des grands formats.
Mark Rothko se suicidera en 1970.

Dans ses toiles, il s’exprime exclusivement par le moyen de la couleur qu’il pose sur la toile en aplats à bords indécis, en surfaces mouvantes, parfois monochromes et parfois composées de bandes diversement colorées. Il atteint ainsi une dimension spirituelle particulièrement sensible.

le livre le plus crucial pour Rothko dans cette période serait La Naissance de la tragédie de Friedrich Nietzsche.

La nouvelle vision de Rothko essayerait donc de s’adresser aux exigences de la spiritualité de l’homme moderne et aux exigences créatives mythologiques, à l’identique de Nietzsche clamant que la tragédie grecque est une recherche humaine pour racheter les terreurs d’une vie mortelle. Les objectifs artistiques modernes ont cessé d’être le but de Rothko. À partir de ce moment là, son art soutiendrait en tant que but final, le fardeau de soulager le vide spirituel fondamental de l’homme moderne ; un vide créé en partie par l’absence d’une mythologie adressée correctement à « la croissance d’un esprit enfantin et (…) à la vie et les luttes d’un homme » et pour fournir la reconnaissance esthétique nécessaire à la libération des énergies inconscientes, précédemment libérées par les images, symboles et rituels mythologiques.

Rothko se considérait lui-même comme un « faiseur de mythe » et proclamait que le seul sujet valide était celui qui est tragique. « L’expérience tragique ragaillardie » a-t-il écrit, « est pour moi la seule source d’art».